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Ph Lali Agüero

“Todo lo que podamos transmitir en el campo artístico está basado en percepciones y lecturas”, dice Ernesto Pereyra, a una semana de inaugurar la muestra, Contrapeso, en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini. Pintar es, para él, un acto que comprende múltiples cuestiones que hacen al trabajo, a un oficio, a la comunicación y a un aporte a nuestra historia de las artes visuales.

Ernesto Pereyra nació en 1979 en la Ciudad de Buenos Aires, vive y trabaja en la casa/taller que él mismo construyó en una localidad del conurbano bonaerense. Pintar es, para él, un acto que comprende múltiples cuestiones que hacen al trabajo, a un oficio, a la comunicación y a un aporte a nuestra historia de las artes visuales. Se considera parte de una generación de artistas plásticos que ha tenido la posibilidad de observar y vivir cambios profundos en términos tecnológicos y culturales.

A una semana de inaugurar la muestra, Contrapeso, cuenta que hace un ratito terminó de pintar las obras que la componen. Se necesita un mínimo de quince días para que el óleo seque al tacto. Las lluvias y la humedad parecen conspirar contra el proceso de oxidación, sólo faltan cinco días para trasladar las telas y ya sabe que, aunque el traslado se realice con exquisito cuidado, será inevitable que tenga que hacerle retoques en el mismo espacio de la exhibición.

Así nomás, Ernesto, desnuda su cocina y se dispone cálidamente a charlar, obsequiando un tiempo que es precioso siempre, pero sobre todo para él en estas horas:

¿Qué te hace elegir al óleo por sobre otras técnicas pictóricas? ¿Su perdurabilidad?

Lo perdurable es relativo, todo depende de su tratamiento y cuidados, como toda materia que es afectada por el paso del tiempo, el clima y demás factores. La elección de la pintura al óleo tiene que ver con cierto gusto por sus cualidades en el color y texturas. Lo más importante es la perdurabilidad de las imágenes, que en definitiva son ellas las que inciden e interpelan la subjetividad.

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 Hace unos años, en el 2014, pintaste El Último Cactus. ¿Recordás cuál fue el disparador de este motivo?

La verdad es que no me acuerdo, pero su imagen es bastante elocuente y sugestiva. Habrá sido a partir del interés por pensar en imágenes los derechos de las culturas originarias y el respeto por el medio ambiente.

Es una doble potencia que sea mujer y originaria…

Evidentemente el contexto amerita y promueve, exige relecturas. Y eso es lo interesante de las imágenes. Ahí reside la trascendencia y la perdurabilidad de la que hablaba antes.

¿Pensás en el espectador durante tu proceso creativo?

No lo pienso en términos de su aprobación o rechazo. Pero sí, siempre en tanto comprendo que el proceso creativo tiene como finalidad en cierto punto el entablar una comunicación con un sujeto sociocultural contemporáneo.

“Si uno compra un cuadro, compra también la apariencia de las cosas que en él se representan”, dijo John Berger. ¿Vos, cómo te vinculás con el mercado del arte?

Lo de John Berger daría para rato... ahora habría que analizar o discutir qué es el mercado. Si hay uno solo. La verdad es que no pienso en un mercado. Participo de la compra-venta cuando me toca. Volviendo a Berger, de lo único que estoy seguro es que, cuando alguien compra un cuadro, está comprando un objeto físico que contiene o representa un potencial simbólico más allá del objeto concreto. Pero la imagen yo quisiera pensarla libre o autónoma de la transacción comercial.

¿Es posible encontrar y producir belleza en estos tiempos?

Prefiero no entrar en la cuestión de la belleza como problemática estética. Hay mucho escrito sobre este concepto. Lo que resulta prácticamente inevitable es la producción artística en términos de expresión popular. Me animaría a afirmar que nunca, por más adverso y hostil que se nos presente el contexto social-político-económico, el ser humano ha dejado de producir.

En Contrapeso, tu actual trabajo, proponés un significativo cambio estético en relación a todo lo anterior. ¿A qué se debe esta transformación?

No pienso en una transformación sino en un proceso en el cual me voy formando, aprendiendo a transitar experiencias que van influyendo permanentemente en mis creaciones. Los cambios estéticos son difíciles de determinar. Son muchos los factores, desde artísticos hasta políticos, que hacen que se renueven miradas, lecturas y relecturas del mundo que me rodea. Sospecho que si uno está abierto y permeable a los acontecimientos artísticos que suceden, se produce una especie de antropofagia estética que se manifiesta en la práctica, en la obra. Es vital.

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¿A qué responde la elección de herramientas como motivos en Contrapeso?

La elección de los motivos responde al proyecto. En este caso me propuse un abordaje de la cuestión del trabajo, las herramientas y, entonces, se impusieron sin demasiada resistencia. Son mis herramientas de trabajo, las que levantaron mi casa, mi taller y a las que les tengo una especial admiración y cariño, que es realidad o representa mi admiración por el ser trabajador. Los objetos presentados en soledad, bajo esta tensa calma, en los contrapesos cotidianos, en los juegos de equilibrio y en las relaciones de poder que se esconden detrás de cada trabajo.

¡Gracias Ernesto! ¿Te sentiste cómodo con las preguntas?

Sí, nunca las preguntas son incómodas; en todo caso, la falta de respuestas es lo que a uno lo pone incómodo o limitado. Pero hay que tener en cuenta que todo lo que podamos transmitir en el campo artístico está basado en percepciones y lecturas, subjetividades que nunca podrán dar certezas.

Se puede visitar la muestra en la Sala Abraham Vigo del Centro Cultural de la Cooperación, todos los días de 14 a 22hs. Avenida Corrientes 1543, PB, CABA