2
Sep

Encuentro sudamericano de Danza

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CONVOCATORIA

El 1º Encuentro Sudamericano Danza y Políticas pone en marcha el I Concurso de fotografía Los Bicentenarios, Danza e Identidad, donde la danza, en todas sus modalidades, será el tema y composición de las fotografías.

BASES ¿CÓMO PARTICIPAR?

  • Se podrá enviar máximo 1 trabajo por autor.

IDENTIFICACIÓN Y ENVÍO

NOMBRE Y APELLIDOS DEL CONCURSANTE

D.N.I.
(argentinos) Pasaporte (Internacionales)

EMAIL DE CONTACTO

TELÉFONO DE CONTACTO

TÍTULO DE LA IMAGEN

FORMATO DE LA IMAGEN
•El formato deberá ser jpg (jpeg) y debe tener una resolución de 72 píxels o un tamaño máximo de 1Mb.

  • Las fotografías deben estar realizadas con una cámara digital.

OBRAS  SELECCIONADAS

De todas las obras presentadas se seleccionarán un número de 30 de entre las cuales saldrán las quince obras seleccionadas que serán parte de la exposición en el Centro Cultural de la Cooperación y el ECUNHI entre el 3 y el 10 de noviembre de 2011. Las obras que sean seleccionadas en los primeros 3serán publicadas en la revista Acción

( http://www.acciondigital.com.ar)

Las fotografías seleccionadas deberán entregarse en CD con una resolución de 300 pixels o por You sendit. Si el archivo ha sido retocado o modificado deberá enviarse en formato .pds o .tiff con división en capas.

DERECHOS

  • Los ganadores cederán todos los derechos de imagen de sus fotografías para exposición, reproducción, distribución y comunicación a favor de Programa Danza y Políticas, sin limitación de sistemas, medios, ni países. Junto con la fotografía se hará siempre mención al autor.
  • Los concursantes se responsabilizan de que no existan derechos de terceros en las obras presentadas.
  • Los autores seleccionados para la exposición cederán los derechos de utilización, exposición, reproducción y distribución pública de las obras seleccionadas, para uso exclusivo de las acciones relacionadas con el concurso en cuestión.

JURADO

Juan Pablo Pérez. Licenciado en Artes (UBA), Profesor de Bellas Artes (ENBAPP-IUNA). Docente de Arte Contemporáneo (UNTREF-IUNA-IES). Fue becario de investigación en Artes Plásticas por el Fondo Nacional de las Artes. Forma parte de la Red de Investigadores Conceptualismos del Sur. Es Coordinador del Departamento de Ideas Visuales del Centro Cultural de la Cooperación. Es co-autor del Libro Lecturas, problemas y discusiones del arte argentino del último siglo, 1910-2010, Buenos Aires, Ed. CCC-FNA, 2010.

Clara Guareschi. Estudió cine en la Universidad del Cine y Fotografía en la Escuela de Fotografía creativa Andy Goldstein. Luego viajó a la ciudad de New York donde estudió fotografía en el ICP, Internacional Center of Photography.

Vivió en Barcelona cuatro años en los que trabajó como asistente de Pepe Baeza, jefe de fotografía del dominical del diario La Vanguardia, trabajó en la creación y organización del archivo fotográfico de la editorial Sol90 y en la realización de fotografías de moda y productos,  fue Editora Gráfica, de la editorial realizando la Edición fotográfica para enciclopedias de gran contenido visual. Trabajo como fotógrafa con el fotógrafo Jesús Atienza y participó en distintos proyectos y publicaciones,

De regreso en Buenos Aires, trabajó en la creación del Archivo fotográfico de la la Biblioteca Nacional, donde actualmente continúa trabajando en la digitalización y puesta al público del las imágenes que forman parte del patrimonio cultural del país.

Andrea Lopez. Fotógrafa, especializada en fotografía de danza contemporánea: habiendo trabajado con el registro fotográfico de la mayor parte de los principales grupos y coreógrafos independientes argentinos durante la década del 90.

Máster  en Fotografía, licenciada en Comunicación Zamora,

Coordinadora  de extensión cultural del instituto municipal de fotografía de Avellaneda.

Crea el programa de rescate, acrecentamiento, conservación y puesta en valor  de la imagen contemporánea de la Municipalidad de Avellaneda

Crea y Dirige y produce  el Festival de fotografía EDAF y la calle es nuestra

Es Directora junto con el coreógrafo indígena Wichi Ernesto Palacios, de la Compañía Interdisciplinaria de Investigación escénica Fwala.

Ha sido distinguida con la Beca del Fondo Nacional de las Artes, de Argentina en dos oportunidades.

Obtiene también la beca de perfeccionamiento en el extranjero de la Fundación Antorchas

NORMAS

  • La participación en el certamen implica la total aceptación y conformidad con lo dispuesto en las presentes bases.

CONVOCATORIA

  • Del 15 de Agosto al 30 de septiembre de 2011.

FALLO DEL JURADO 5  de octubre de 2011.

EXPOSICIÓN DE OBRAS SELECCIONADAS  3 al 10 de Noviembre de 2011.

http://www.esdanzaypoliticas.blogspot.com/

31
Ago

Encuentro Sudamericano de Danza

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Para inscribirte al Encuentro Sudamericano de Danza enviá un e-mail a:

contacto@espacioreverso.com.ar

asunto: inscripción

Nombre, Apellido y nº de Documento
e-mail de contacto.

Para conocer los invitados nacionales e  internacionales, hacé click en este enlace:

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También podés visitar el blog:

www.esdanzaypoliticas.blogspot.com

Para saber más del Encuentro Sudamericano de Danza:

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Para ver la programación del Encuentro:

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29
Ago

Informe Julio: “Clínicas de Investigación y Montaje” en el CCC

Las clínicas de montaje e investigación se presentaron desde un principio con la propuesta de diferentes docentes invitados cada mes; en lo concreto, los cambios que se suceden de un mes a otro son sumamente abruptos! Es esta novedad constante la que permite separarse y, al mismo tiempo, encontrarse permanentemente en la diversidad de los materiales ofrecidos por los docentes.

Julio trajo consigo la perspectiva de Luis Biasotto, bailarín, docente y coreógrafo, integrante del grupo Krapp.

Con una propuesta opuesta a la del mes de junio: improvisación de tiempo completo, búsqueda interna, y devenir absoluto fueron los ejes del mes; sin embargo, nuevamente aparece la sorpresa de una propuesta, que si bien reformulada, repensada y trabajada, trae remembranzas de acciones que tal vez uno dejó de lado y nunca más tocó. Queda claro que lo importante es saber qué desechar, cada pauta recibida a lo largo de los años puede ser reutilizada desde otra perspectiva, obteniendo nuevos y diversos resultados.

Lo interesante fue el trabajar un mismo ejercicio los cuatro encuentros, esto permitió ir a fondo en cada momento y  por lo tanto, estar en estado de alerta para no dejar pasar nada: todo lo que sucede en la escena se toma.

Se vivió el goce por la improvisación en niveles extremos, lo más difícil fue dejar de lado la ansiedad por llegar a algún lado, o por hacer algo fantástico y grandioso, para poder estar ahí en ese momento explotando cada segundo intensamente. Los interrogantes que plantea Karina Durán son el claro ejemplo de la búsqueda de estos cuatro encuentros: “¿Cuándo pasa algo en la escena? ¿Qué es lo que quiero que suceda? ¿Qué quiero encontrar? ¿Quiero encontrar algo? ¿Qué es ese “algo” que “debe” suceder para no “fracasar”?”

Una lucha constante era el evitar bajar a tierra, como decía Luis, las improvisaciones, es decir, no encaminarse hacia lo obvio o  hacia lo que aquel que mira está esperando, si no saber completar y  dejar que el cuerpo fluya en un sinfín de lo que se podría pensar como asociación libre dentro de la improvisación. Esto fue realmente placentero porque fueron apareciendo nuevos cuerpos en la escena, como si de alguna manera cada uno de los integrantes de las clínicas hubiera podido encontrar el punto de partida para iniciar la búsqueda hacia su propio mundo interno y desconocido.

ANA BORRÉ

16
Ago

Entrevista a Carlos Casella

Ana Borré: ¿Cómo surge una propuesta como la de RANDOM desde una propuesta espacial? ¿Ya tenías una idea previa o surgió a partir de una búsqueda conjunta entre los intérpretes y vos?

 

Carlos Casella: CONOCí EL TACEC DEL ARGENTINO DE LA PLATA  Y  QUEDÉ IMPACTADO POR LA ESTÉTICA DEL LUGAR. UNA CIERTA MISTICA DESPOJADA, ÁRIDA Y CRUDA.DESDE ESE PUNTO EMPECE A CONSTRUIR EN MI CABEZA UN UNIVERSO DE  CONTRASTES.

ME CONECTÓ  CON INSPIRADORES MUY DEFINIDOS, UNA  IDEA DE CIENCIA FICCIÓN Y DE RETROFUTURO, DE AHÍ EN MÁS ME PUSE A TRABAJAR CON LOS INTÉRPRETES .

 

 

A.B.: Sé que es una  pregunta inmensa, pero: ¿cómo es tu manera de componer? ¿El montaje lo armás a partir de revisar el material que va surgiendo a lo largo del proceso,  surge naturalmente en los últimos ensayos o proponés una estructura para ser completada?

 

C.C.: MUCHAS VECES DESDE EL PRINCIPIO IMAGINO EL ESTILO QUE QUIERO PARA LA OBRA Y UNA IDEA APROXIMADA DE HACIA DÓNDE DIRIGIRME CON LA CREACIÓN .A MEDIDA QUE EMPIEZO A RECLUTAR MATERIAL DE IMPROVISACIONES DE LOS BAILARINES,MAQUETAS MUSICALES  Y OPINIONES DE TODO EL EQUIPO, EMPIEZO A PROBAR EN UN PAPEL UN GUIÓN DE ÓRDENES DE LAS ESCENAS Y UNA ESTRUCTURA DE RELATO ,QUE IRÁ CAMBIANDO HASTA EL FINAL…SE VA AJUSTANDO.

A VECES  TENGO ELEGIDO EL MATERIAL Y HAY ESCENAS  QUE NO CUAJAN CON EL RESTO DE LA OBRA…TOMO VALOR Y EXTIRPO ESA PARTE AUNQUE  LA ADORE, OTRAS VECES ESA DIFICULTAD ME OBLIGA A CREAR  MÁS MATERIAL PARA INSERTAR ESAS COSAS.

LOGRAR EL EQUILIBRIO EN UNA OBRA ES LO COMPLICADO Y LO ENTRETENIDO TAMBIÉN.

 

 

A.B.: ¿Cuando componés, tanto para Random  en particular, como con el resto de las obras en general, pensás en que va a ser una obra vista por alguien o te concentrás en el proceso sin pensar en terceros?

 

C.C.: ME UBICO EN UN CONTEXTO, ESO CENTRA LA CREACIÓN.NO PIENSO PARA NADA EN QUÉ TIPO DE GENTE VA A VERLO.

SI ME LLAMAN PARA PONER UNA OBRA EN EL TACEC, NO ES LO MISMO QUE ME LLAMEN DE LA PLAZA. EL CONTEXTO ES LO QUE TENGO EN CUENTA, DE AHÍ EN MÁS ES APTA PARA TODOS.

 

A.B.: Me encantó la luz que tiene la puesta, ¿cómo llegaste a esa propuesta lumínica?

 

C.C.: DESDE UN PRINCIPIO LA LUZ QUEDÓ BASTANTE A CARGO DE MÍ; Y AHORA PARA EL C.C.C. ALFONSINA  STIVELMAN HIZO UNA ADAPTACION DE LA PUESTA.

EN SÍ MISMA LA LUZ TENÍA QUE GENERAR UNA EPOCA, UN TIPO DE FUENTES QUE EVOCARAN PELÍCULAS COMO BLADE RUNNER; LA LUZ EN ESTE CASO RELATA UNA ACTUALIDAD LEJANA SOBRE EL FUTURO, UNA IDEA DEL FUTURO QUE LE PERTENECE A LOS 70/80′S Y ARMA LOS ESPACIOS DE MANERA QUE SE BORREN LOS LÍMITES  DE LA SALA.

EL CORAZON DE LA OBRA ESTA EN LA LUZ. 

 

 

A.B.: Leí en alguna de las notas que en principio iban a ser cuatro intérpretes, ¿qué te llevó a sumar dos más?

 

C.C.: ES QUE EN UN PRINCIPIO, ANTES DE CONOCER EL ESPACIO, PENSÉ EN HACER UNA VERSION DE LAS 4 ESTACIONES, DESPUÉS LA IDEA MUTÓ  HACIA ESTA ESTRUCTURA DE RANDOM, EN DONDE TRES PERSONAJES PERIFÉRICOS CONTIENEN A ESTE MUNDO FEMENINO DE CARACTERISTICAS EXTRAÑAS. 

EL PROPIO ÁMBITO ME INVITÓ A CAMBIAR LA IDEA Y ME PARECIÓ  MUCHÍSIMO MEJOR.

 SIEMPRE UNA IDEA QUE APARECE EN EL CAMINO LA CONSIDERO MEJOR QUE UNA IDEA QUE NACE PREMATURA.

 

 

A.B.: En el proceso de composición, ¿pensás en que hay algo que se debería entender para el futuro receptor, querés que se entienda algo, querés comunicar algo  o -pensando en la obra abierta- pensás en que haya tantas interpretaciones como espectadores a la función?

 

C.C.: CASI SIEMPRE EN MIS OBRAS PODÉS HACER VARIAS LECTURAS, PERO NO ESTÁN TAN LEJANAS UNAS DE LAS OTRAS. ME GUSTA MUCHO ESE MOVIMIENTO QUE PUEDE PRODUCIR EN EL ESPECTADOR UNA LECTURA O UN VIAJE PROPIO, PERO ME OCUPO DE QUE EL QUE MIRA QUEDE POR DENTRO DEL MATERIAL, QUE PUEDA SEGUIR EL HILO POÉTICO, Y QUE SE LE GENERE INTERÉS CONSTANTE. SI NO SE LOGRA ESO LA OBRA SE CAE Y NO FUNCIONÓ.

 

A.B.: ¿Creés que exista un espectador ideal para de la danza? ¿Creés que la danza se vuelve inaccesible para un ojo no acostumbrado al lenguaje de la danza contemporánea?

 

C.C.: LA DANZA TIENE MALA PROMOCIÓN. NO TIENE EL MISMO ESPACIO NI EN LOS TEATROS  NI EN LOS MEDIOS; FIJATE CUANTO ESPACIO LE DAN EN LOS SUPLEMENTOS ESPECTACULOS; FIJATE LA PROGRAMACIÓN DE CUALQUIER TEATRO O CENTRO CULTURAL;  QUIEN OCUPA LOS  HORARIOS CENTRALES, ETC…

LA GENTE ESTÁ PREPARADA SENSIBLEMENTE PARA VER LO QUE SEA. 

AHORA, ESTÁ LA GENTE QUE NATURALMENTE SE ACERCA PORQUE CONECTA DE INMEDIATO Y ESTÁ LA GENTE QUE VA ACUMULANDO INFORMACIÓN Y SE PREPARA. ESA GENTE PENETRA EN UNA CAPA MÁS PROFUNDA DE COMPRENSIÓN CON EL AUTOR.

PERO LA DANZA COMO EXPRESIÓN Y LENGUAJE  ES INMENSA.

EL DESCUEVE COMO GRUPO DE DANZA ROMPIÓ BASTANTE CON ESA SITUACION  Y LLEGÓ A INSTALARSE EN PÚBLICOS MUY DIFERENTES, SIEMPRE LA IDEA ERA ROMPER CON ESA COSA TAN ESTÁTICA.

 

A.B.: ¿Cómo ves la profesionalización de la danza en Buenos Aires?

 

C.C.: PROFESIONALIZARSE TIENE QUE VER CON EL DINERO, PODER VIVIR PLENAMENTE  DE TU ACTIVIDAD, SEAS BAILARIN O COREÓGRAFO .

SIN APOYO ECONÓMICO, LO PROFESIONAL NO SE ARMA. NO DIGO QUE NO  LO HAYA  PERO PARA LA PRODUCCION QUE SE PODRIA GENERAR QUEDA FLACO.

HAY QUE INVENTAR MAS ACCSESOS AL DINERO. 

9
Ago

Pistas: “BRASA” de Lucía Lacabana (estreno)

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Jueves 18 de agosto 21.30 hs
El Sábato, espacio cultural FCE UBA
Uriburu 763 subsuelo / Ent $25 - Est y Jub $20

FUNCIÓN COMPARTIDA:

Brasa
de Lucía Lacabana (Estreno)
+
Entretiempo
de Carolina Espósito (Adaptación)
Luego de la función se habilitará un espacio de charla entre las coreógrafas y el público

Producción: Valeria Martinez, danza·Sabato
http://danzasabato.blogspot.com/
Brasa

Es la expresión de un encuentro, de lo que nos ata visible o invisiblemente a otro.
“Abrazo: brasa. Antigua y amada costumbre de cercanía”
(P. Mercado/W. Vargas. Diccionario de equívocos)

Idea: Lucia Lacabana / Creado por: Marisa Borraz, Lucia Lacabana / Asistente: Rocio Castañeda / Música: Fransisco Berchenko

Entretiempo
(adaptación de Entretiempo, tres relatos en una forma vacía)

Entretiempo es movimiento entre repeticiones…
Desde el original de la obra repetimos al infinito (IDENTIFICAR EL ARTIFICIO)
Entre la adaptación y su simulacro, entre dicho simulacro y el original.
Es como un juego, un entretenimiento para el cuerpo-bailarín. No hay mas que el relato que se desprende de las acciones que él realiza.
Todo es material, todo es moldeable. Todo es susceptible de ser copiado.

Interpretación: Ayelen Clavin, Mariela Nussembaum, Amanda Millione y Gabriel Hernandez / Coreografía: Ayelen Clavin, Mariela Nussembaum, Amanda Millione, Gabriel Hernandez y Carolina Esposito / Composición sonora en vivo: Jorge Guesalaga / Diseño del espacio y vestuario: Mariela Solari / Concepto y dirección: Carolina Espósito
Entretiempo se presentó en facultades de la UBA, en el marco del Proyecto Circulando www.proyectocirculando.wordpress.com / Apoyos: Fondo Nacional de las Artes - Mecenazgo Cultural 2010 - El Sábato, espacio cultural.

27
Jul

Informe Junio: “Clínicas de Investigación y Montaje” en el CCC

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El docente invitado durante el mes de Junio fue Pablo Rotemberg.

Coreógrafo, bailarín, músico y actor que, dentro del circuito de la danza es conocido y reconocido por sus montajes arriesgados, extraños, descabellados, novedosos,  e, incluso, hasta rupturales.

Dos líneas principales atravesaron el trabajo durante las cuatro clases, por un lado el extrañamiento del cuerpo, y por el otro, la búsqueda de una estructura cerrada para  romperla.

Cada sábado era un cuerpo nuevo, ajeno, que buscaba una y otra vez su lugar en el espacio y con sus compañeros. Mirar las manos detenidamente por casi veinte minutos permite adentrarse en un universo infinito de extrañamiento, donde aquello que se construye no es propio, pero al mismo tiempo la escena exige que sí lo sea. Aparece de esta manera esa hermandad entre lo real y la ficción, casi como la frontera entre la locura y la cordura, que es lo que hermoso de la magia escénica.

Esos cuerpos extrañados, debían ser cuerpos sumamente entrenados y disponibles para la escena, para los demás cuerpos y para el espectador. Se trabajó con la idea de cuerpos ciento por ciento entregados y disponibles, donde todo era válido.

La utilización de típicos elementos coreográficos fue, en un primer momento, desconcertante para el grupo. Pero teniendo en cuenta este nuevo cuerpo, la secuencia fue una construcción funcional, que sirvió de piso para probar, para soltar y entregar todo.

Los golpes, el cansancio, la resistencia física fueron los protagonistas del mes. Es un cuerpo que es raptado por el movimiento, que lo interviene y que finalmente lo abandona, dejándolo como un despojo. Tomando las palabras de Mayra Arenzon parafraseando a Pablo: “Para que algo pase hay que violentar algo”.

Esta es la forma de composición que trajo consigo el mes de junio.

Con el tiempo se descartan herramientas y modos de construcción por creerlas antiguas y obsoletas, sin embargo Pablo Rotemberg propuso, dentro de elementos que tal vez algunos ya conocían, su mirada y su forma de plantarse frente a la escena vacía. Eso es la creación: las mil y una posibilidades de hacer con lo mismo, lo propio.

ANA BORRÉ

1
Jul

Informe: Mayo “clínicas de Investigación y Montaje” en La Plata

“Improvisar es estar continuamente en la mierda, los momentos de iluminación son efímeros”

Pablo Rotemberg

Durante el mes de mayo tuvimos a Pablo Rotemberg como docente invitado. Si tuviéramos que resumir en una frase la experiencia de las clases con este bailarín, coreógrafo, músico, guionista (¿algo más?) probablemente sería oportuno decir “en permanente estado de alerta”. Como lo expresa Sofía Scattini: “Mi atención  no se movió un instante de lo que pasaba en escena, y eso se lo atribuyo en gran medida al clima generado por el propio Pablo“. La propuesta de Pablo, de la mano con su forma de conducir las actividades, nos obligaba a estar  atentos, alertas, presentes en lo que estábamos haciendo, para a partir de ahí comenzar la búsqueda. “Creo que estaba necesitando algo así, que te exija ir al límite, que te ponga trabas, que te haga explorar otros lugares” reflexiona Andrea Gianotti.

Una búsqueda por momentos incierta, pero (quizás justamente por esa cuota de incertidumbre) siempre interesante e intensa. La búsqueda de un movimiento “verdadero” o “auténtico”, de un impulso de movimiento honesto, denso, presente, de ese momento de “iluminación”, que no sólo es siempre difícil de alcanzar, sino también a veces difícil de reconocer. En palabras de Leonardo Basanta “Me sigue resultando todo un desafío y un salto al vacío la improvisación sin pautas. Bueno, la improvisación en sí me es difícil, pero el ‘mover por necesidad’ o ese salir a buscar algo que no sé que es, que no existe hasta que lo logre crear” “Hay algo de ese vacío, que me pone en un lugar de vulnerabilidad terrible y ¿excitante? El mayor desafío va a ser aceptar ese lugar, “colgar” la  cabeza, y (como de vez en cuando ha pasado) sorprenderme con lo que encuentro…”

Al ir atravesando estas nuevas propuestas que Pablo nos iba trayendo en cada una de sus clases, volvieron a aparecer muchas de las inquietudes que se fueron sembrando durante el primer mes de trabajo en las Clínicas, pero resignificadas por estas experiencias. “¿Que es relacionarse en danza? O más, ¿Qué es relacionarse? ¿Puedo no ver, no tocar, casi ni escuchar y aún así relacionarme? Lo que ‘percibo’ ¿es real? ¿Cuánto hay de imaginarme y cuánto de percibir en realidad? Son preguntas que el trabajar con los ojos cerrados me hizo redespertar, pero que siguen en pie con los ojos abiertos” escribe Leonardo Basanta.

Entre estos y otros interrogantes volvieron a surgir algunas cuestiones, que se nos vienen apareciendo estrechamente vinculadas: la responsabilidad, la libertad y la dificultad de desprendernos de las técnicas. “Volví a pensar en la responsabilidad que tengo al moverme, cosa que me disparó el trabajo de la Clínica en general, me paré desde otro lugar conmigo misma”, afirma Julia Portela Gallo. Y Mariana Di Silverio observa:“Resignificar las huellas del ejercicio en otra instancia de mayor libertad. Sin embargo cuando llega ese momento, nadie deja de repetir la secuencia. De nuevo, la libertad es un problema”.

La experiencia de tener a Pablo como docente invitado, nos dejó un conjunto de experiencias, de huellas corporales, de reflexiones y de aperturas, que se relacionan y se continúan con lo que ya había empezado a generarse durante el primer mes de trabajo.

Y como no podía faltar, la pregunta por la danza, también estuvo presente. No sólo para preguntarnos por la danza misma, sino también por lo que podemos decir de ella. Como reflexiona Mariana Di Silverio: “Seguramente tenga que transcurrir un tiempo largo y sostenido de rupturas para que se transformen definitivamente las imágenes de la danza, las pretensiones sobre la danza, las palabras que usamos para hablar de la danza, en otras que sean más representativas de lo que está sucediendo”.

La relación entre la danza y el lenguaje verbal, siempre será conflictiva. Hay algo de los cuerpos, y en particular de los cuerpos en movimiento, imposible de reducir a palabras. Por más que desarrollemos nuevas y más adecuadas formas de decir (o de escribir), y podamos aproximarnos mejor a la danza que hemos visto o que hemos experienciado, habrá siempre algo que se nos escape, que desborde al significado del texto. Y creo que es justamente en eso, intraducible e indefinible, en donde reside la particularidad y la potencia de la danza, y lo que hace que sigamos bailando y que aún valga la pena hacerlo.

Mariana Sáez

29
Jun

Informe: Mayo “Clínicas de investigación y Montaje” en el CCC

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La danza  y la música aliadas desde siempre, se nos presentan en estos tiempos en una relación  más irregular, más de ida y vuelta, como una construcción y deconstrucción posmoderna.

Las clínicas de investigación y montaje contaron, durante el mes de mayo, con la presencia de Fabián Kesler, músico y compositor. A lo largo de las clases se presentaron conceptos básicos de la música, que abrieron una puerta de entrada a la investigación en la danza.

El ritmo inherente en la vida, la superposición de las capas musicales, el sonido, los ruidos, son todos elementos que viven, velados, en la danza. “El trabajo de agudizar la percepción al escuchar los diferentes entramados que generan los instrumentos en una misma pieza ayudó muchísimo a clarificar la composición de una obra.” Afirma Lucía Giannoni

Sucede que en la velocidad y en la ansiedad compositiva los nuevos y jugosos detalles pasan como arena entre las manos, es necesario entrenar esa percepción y esa calma que permitirá la renovación de uno mismo como compositor, como dice Eugenia Belavi “Como si todo lo que vemos necesitase ser comprendido, para no enloquecer. Nos mantenemos cerca de los significados que ya conocemos y que estamos seguros que compartimos. Como si no pudiese pensar lo que estoy haciendo mientras lo estoy haciendo. Lo que necesitamos es ser consientes de las posibilidades que nuestro instrumento nos da, para ser dueños de ellas, mover el espacio, y llegar  más lejos que nuestra propia piel.”

Al detenerse a escuchar se abre un mundo infinito de sonoridades, melodías  y armonías, por lo que si cada elemento elegido y utilizando se disgrega minuciosamente de la misma manera que disgregamos la música, hay entonces, cientos de miles de obras por ser descubiertas.

ANA BORRÉ

7
Jun

Informe: Abril “Clínicas de Investigación y Montaje” en La Plata

“Desde el comienzo mi mente se llenó de preguntas”

Andrea Gianotti

“Me voy cada sábado con mucha información

que charlo con mis amigos, que escribo, pienso”

Julia Portela Gallo

“Me siento una guerrera, investigadora, buscadora…

de todavía no se qué… “

Natacha Maluendez

El primer mes de trabajo en el marco de las Clínicas sembró ideas, abrió interrogantes, planteó dudas, e incluso generó algunos temores.

En cada clase se plantearon propuestas de trabajo muy diferentes entre sí, pero sin embargo todas tuvieron en común el hecho de que las consignas fueron siempre extremadamente abiertas, dejándonos en libertad (y en responsabilidad) de decidir y de actuar. Esta libertad a veces  generó sorpresa, alegría o satisfacción, pero muchas otras también provocó miedos e incertidumbres que se reflejaron en las reflexiones grupales y en los escritos individuales.  Mariana Di Silverio expone que “sentir que uno puede hacer lo que quiera tiene el peso de estar librado a uno mismo, de ser responsable de elegir”.  Y Leonardo Basanta concluye: “Tanta libertad da miedo”.

A lo largo del mes trabajamos en grupos grandes o pequeños, solos o en parejas, nos fuimos presentando y conociendo desde la palabra y, fundamentalmente, desde el movimiento.

Comenzaron a aparecer algunas ideas y reflexiones en torno a la posibilidad de la creación y “la gestación grupal sin roles jerárquicos” como plantea Eleonora Malbrán. En relación con esto, Mariana Di Silverio escribe: “Hacer algo y dárselo a otro para que haga con eso, sabiendo que en el transcurso lo va a modificar (modificar, transformar, desdibujar o hacer mierda) es parte de la propuesta de trabajo horizontal y colectivo, e implica que el producto final quizás esté muy lejos de lo que uno imaginó o quiso en un principio, que sea el resultado de una combinación de muchos factores que tienen que encontrar la forma de coexistir.”

También, como enumera Karina Marelli, “se plantearon algunas preguntas: qué sucede con el rostro, la mirada,  el gesto”, qué pasa “al enfrentarse a salir de lo seguro, de lo cómodo, lo habitual”, qué recursos tengo y cómo los uso para modificar/transformar situaciones“. También surgieron inquietudes en torno al uso de “la técnica”, la posibilidad de distanciarse o apropiarse de ella, a la forma de comunicar, expresar y construir sentido  a través del movimiento…

Y apareció además una pregunta elemental, la pregunta por la danza misma, por su definición, por su especificidad. Esta cuestión surgió de modo tangencial en algunas improvisaciones en las que podíamos preguntarnos si estábamos o no “danzando”, pero se tornó un tema en sí mismo en los trabajos individuales que funcionaron no sólo a modo de presentación personal, en la que podían visualizarse las trayectorias, las formaciones y las personalidades individuales, sino también, y fundamentalmente, de los diversos significados que tiene para cada uno de nosotros el término “danza”, de lo que esperamos de un espacio como el de las Clínicas, y de lo que pretendemos de esta disciplina o de esta forma de comunicación, creación o expresión.

Concuerdo con Leonardo Basanta cuando escribe “Está bueno un taller donde aparezcan más dudas que respuestas”. Una buena pregunta moviliza a la reflexión y a la acción mucho más que una respuesta acabada, y suele ser más interesante abrir (abrir posibilidades, abrir fronteras, abrir significados…) que definir y cerrar.

De a poco vamos comprendiendo que este juego entre las dudas y las respuestas, entre la libertad y la responsabilidad es un elemento fundamental de la propuesta pedagógica de las Clínicas, y que, probablemente, la única forma de desarrollarnos en la práctica artística es a través de una práctica activa de libertad, del trabajo consciente con uno mismo y con los demás, de la toma de decisiones y elecciones constantes, y que esto inevitablemente implica responsabilidades y riesgos, pero seguramente también, muchas satisfacciones.

En síntesis, si algo podemos decir de este primer mes, es que definitivamente las Clínicas nos están haciendo pensar, pero, como dice Mariana Di Silverio, “pensar-haciendo”.

Mariana Sáez

26
May

Informe: Abril “Clínicas de Investigación y Montaje” en el CCC

El mes de abril trajo como docente invitado a Marcelo Savignone, actor, docente, y director artístico del Teatro Belisario.

Sin preguntas, sin reflexiones ni búsquedas previas: puro cuerpo en escena. Para muchos de los integrantes de las clínicas fue  un primer encuentro con el mundo del teatro, y debo decir que resultó más que positivo. Marcelo, si bien partió de la propuesta de evitar la pregunta en los primeros encuentros, puso nombre y palabras a muchas ideas que flotaban en el aire de las clínicas pero que no se estaban dejando asir.

Fue una liberación de endorfinas en altísimas dosis que permitió al mismo tiempo dejar espacio a la presentación de uno mismo como uno mismo, con sus características -sin importar cuáles- siempre potenciadas en pos del delicioso juego creativo.

“Trabajar ‘manchando’ el espacio, y ver qué surge de ahí. La teoría del ‘accidente’ de Francis Bacon, traspuesta al teatro.  Creo que el trabajo del artista consiste en re-conocer su cuerpo” rescata María Eugenia Belavi de la propuesta traída por Marcelo.

Es el saber usar con sabiduría y picardía las herramientas que están en uno, que viven en uno; no hay que pensar en hacer algo interesante, intenso o profundo porque todo lo que uno brinde en la escena es interesante, intenso y profundo por ser precisamente de uno, así cerró  Marcelo el último encuentro, dejando tras de sí veinte cuerpos repletos de  deseo escénico.

Cada momento es particular y merece llevarlo al máximo, es necesario entregarse a la toma de decisiones, es necesario pegar un salto hacia lo desconocido y mantenerse ahí, en esa intensidad que brinda lo nuevo y lo presente. “…una decisión conlleva a correr ciertos riesgos y en este debo concentrarme sin desear el final o la máxima perfección, no pensar en el trayecto: comienzo, medio y final, sino decidir vivir cada momento, habitar el presente de la acción con atención, sin apuros y sin producir estados expresivos precipitados.” concluye  Leandro Valle.

“¿Qué sucedería si, cuando componemos, dejamos de querer saber demasiado acerca de lo que hacemos?” se pregunta Julieta Meinero.

Marcelo planteó una búsqueda y una investigación del arte que transcurra en el entre: entre el teatro entre la danza entre la música, donde haya libertad de creación absoluta  y sin fronteras.

El arte escénico tiene ese sabor tan excitante de lo efímero, del momento único, donde todo pasa, donde todo puede pasar, donde vive la magia, donde todo es posible…Gocémoslo!

ANA BORRÉ

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